Historias amontonadas
Lo que fascina de la Fotografía es su poder para recordarnos lo que alguna vez vivimos.
Es mediante imágenes robadas al tiempo que reconstruimos nuestro pasado. Como si miráramos a través de una ventana. Sin tan siquiera plantearnos cuánto de verdad o cuánto de añoranza contienen. Eso en realidad no importa, porque ¿cómo negar su veracidad perceptible a simple vista? Si vivimos ese momento o sólo lo recordamos por quienes nos lo explicaron, es irrelevante. Son parte de nosotros, y despegarlos del recuerdo sería mutilar nuestra identidad y negar el oda a la vida innato a la Fotografía.
En un mundo lleno de información, la Fotografía es memoria y como tal, vital para nuestra supervivencia como individuos. Por eso cada vez es más habitual ver cómo el ser humano, cámara en mano, disecciona su entorno en momentos fotográficos y/o fotogénicos para no olvidar su propia historia. Aunque, a veces, la velocidad, no nos permita más que amontonar historias en un marco de 10×15.
Una vez más: ¡Viva la Fotografía!
Le temps glisse
Me acompaña la sensación perpetua de que cada segundo pierdo algo irrecuperable.
La fuerza de la mirada
En fotografía la mirada es el ángulo desde el que el fotógrafo ve las cosas. Es decir, la manera en la que el fotógrafo percibe el mundo. Llevo bastante tiempo estudiando esto de “la mirada”, que más que un concepto a veces se me antoja una incógnita filosófica.
Admiro a algunos fotógrafos que dominan la técnica, y a muchos otros que muestran la humanidad del mundo desnuda de artificio. Y conforme más estudio el tema y analizo las imágenes que más me gustan, empiezo a dudar que el mérito de “la mirada” sea del fotógrafo. Sí, quien dispara la cámara es quien compone la imagen, pero es el fotografiado quien regala el sentimiento al fotógrafo. Sin su mirada no habría fotografía.
Entonces, ¿qué diferencia “la mirada” de un fotógrafo de la de otro? Porque dado que las reglas de composición son limitadas, eso haría que todas las imágenes fueran idénticas. Solo cambiaría el sujeto u objeto fotografiado. Y no negaré que en muchas ocasiones las imágenes me parecen todas iguales. Pero si escucho con atención, descubro que hay algo que hace sobresalir sutilmente a algunos fotógrafos. Y eso que les diferencia no es más que el tema que escogen fotografiar. Porque aunque sólo compongamos, “la mirada del fotógrafo” es aquello que se decide fotografiar y lo que nos lleva a hacerlo. Esto me hace pensar que la fotografía no es más que un modo de desnudarse a través del mundo, de contar tu propia historia y tu modo de relacionarte con tu entorno a través de unas pocas imágenes que quedan para siempre grabada en la retina. Supongo que no es más de lo que hace todo el mundo, con la diferencia que los fotógrafos deciden compartirlo.
Y vosotros, ¿cómo entendéis “la mirada del fotógrafo”?
En la fotografía que ilustra este post podéis ver a Lola. Os puedo asegurar que tardó en acercarse a mi y, después, aún más en regalarme esa mirada. Aún intento descifrarla.
Fuji X100, el anuncio
Supongo que si os gusta la fotografía ya habréis oído hablar de la nueva Fuji X100. Una cámara con un aire muy retro, óptica fija (tiene un objetivo de 35mm y no se le puede cambiar), visor óptico y que se ha llevado todos los premios habidos y por haber. Pero quizás aún no hayáis visto el anuncio con el que se promociona en Japón.
Para aquellos que no la conozcáis comentaros que la Fuji X100 no es una cámara barata precisamente y que por supuesto tiene sus limitaciones. Nadie la recomienda como equipo básico pero sí como complemento a una réflex y sobretodo para situaciones con poca luminosidad o para streetphoto. Aunque este no es el objeto del post sino, como he dicho, mostraros el video promocional de esta cámara dirigido por James Leung y con muchas influencia de Araki. Sí, es algo sensacionalista pero no se puede negar que es una delicia visual.
También os dejo una interpretación del inglés de la narración del vídeo (¡que mi nivel de japonés aún no llega para traducirlo directamente!):
0:06 – Como un perro callejero, tomo fotos aquí y allá.
0:18 – Puede que creas que una fotografía es sólo un documento. Yo creo que es un recuerdo.
0:27 – La historia algún día desaparecerá.
0:31 – Pero los recuerdos vivirán siempre.
0:35 – Sentiremos cerca los días pasados.
0:44 – Una imagen, los que la toman, los que son captados a través de la lente,
0:50 – de la cámara. ¿Es el mismo momento para los tres?
1:08 – Me pregunto si este mundo es un cementerio
1:27 – Me pregunto si estoy vivo.
Después de mucho investigar al respecto y vista la calidad del aparato, ya os adelanto que no tardaré mucho en hacerme con una. Si queréis saber más sobre ella, os recomiendo los estupendos artículos de The W side.
Henri Cartier-Bresson, el DVD
Ya iba tocando un post sobre Henri Cartier-Bresson, el gran genio de la fotografía humanista, y el culpable de que empezara a ver esto de la fotografía como algo más que un modo de conservar las recuerdos de las vacaciones. Aprovecho para ello una de esas joyas poco habituales en DVD que en su día distribuyó en España Avalon Productions.
Cartier Bresson es una leyenda viviente. No hay ningún otro fotógrafo tan citado para hablar de “fijar el momento decisivo”. O lo que es lo mismo, de la “técnica” fotográfica que consiste en esperar a que todos los elementos se alineen para formar una imagen mágica. Por algo se podría decir que fue uno de los primeros en definir dicho concepto.
Empezó como fotógrafo en 1931, después de participar en una expedición a México. Antes había estudiado filosofía y pintura. Y tras trabajar para los grandes periódicos internacionales y ser tomado como prisionero de guerra, acabó fundando junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger la primera agencia cooperativa fotográfica del mundo (“MAGNUM“). Posteriormente viajó por todo el mundo en busca de esos instantes robados al tiempo. Os recomiendo las colecciones de Europa (Paris concretamente) y Asia, son mis preferidas.
Imágenes propiedad de la fundación Henri Cartier-Bresson
Lo que no todo el mundo sabe es que también trabajó en el mundo del cine y que incluso realizó varios documentales sobre la España republicana. Ese es el contenido del DVD 1, los siguientes 5 documentales:
- Victoria de la Vida
- España vivirá
- El retorno
- Impresiones de California
- Southern Exposures
Pero lo que es realmente interesante, al menos para mi, es el DVD 2 donde están las entrevistas y reportajes más importantes que le realizaron. Una verdadera joya documental con la que es fácil aprender del maestro y de su carácter. En él se nos muestra su estudio, su visión de lo que es la fotografía, cómo seleccionaba sus contactos y un largo etcétera. Supongo que es evidente lo mucho que he aprendido de sus imágenes, y cuánto le admiro. Y no es para menos. A través de estos reportajes aquellos de entre vosotros que no lo conozcáis (difícil), abriréis una puerta a un modo de hacer muy diferente al actual. Sí, el dominaba la técnica, pero ese no era su objetivo, sino otro muy diferente: traspasar la frontera de lo mundano y capturar la inmortalidad de la vida de ese segundo exacto que se generaba frente a su Leica. Lamentablemente en youtube no he encontrado la versión en castellano de ninguno de estos reportajes (el de “CONTACTOS” es un caramelo), sólo una subtitulada en inglés no incluida en el DVD. En cualquier caso, disfrutadlo que no es para menos:
Libros para el fotografo: “Fotografía de alta calidad” de José M. Mellado
Si hay algún fotógrafo que enseñe de forma clara cómo utilizar Photoshop para mejorar nuestras fotografías digitales, ese es José María Mellado. Sí, lo sé, hay cientos de libros al respecto, pero muy pocos (de hecho no conozco ninguno aún) que lleguen al nivel de éste. ¿Qué lo hace diferente? Pues que no intenta enseñar todas las posibilidades de Photoshop, sino que expone su propio método de trabajo desde que ya ha capturado la imagen hasta su impresión. Cómo calibrar el monitor, qué equipo elegir para trabajar, para qué sirven los megapíxeles, cual es el mejor modo de transformar una imagen de color a blanco y negro, capas de ajuste, retocar sin degradar la imagen… Cuestiones todas ellas enfocadas de un modo muy ameno y práctico. Resultado: sólo muestra aquellas herramientas de Photoshop que son útiles para el fotógrafo. Lo cual permite al neófito no perderse en la inmensidad de este programa. Os puedo asegurar que tras su lectura uno sabe que ha crecido como fotógrafo.
Esto provoca un efecto colateral: las fotografías tienden a “mellear”. O lo que es lo mismo: existe el riesgo que el acabado final de todas nuestras imágenes sea muy parecido, entre ellas, y con las del Sr. Mellado. Por lo que a mi respecta reconozco que he hecho como mías algunas de las técnicas que expone, otras las he desechado y muchas las he adaptado. Creo que es lo que mejor que se puede hacer. Aprender de quienes saben hacer lo que te gusta. Pero por supuesto sin copiarlos. Uno debe enriquecerse para expresar lo que quiere decir y cómo quiere decirlo. Al fin y al cabo, si nuestras fotos son como las de “perico de los palotes”, nunca serán nuestras, porque no mostraran nuestro modo de ver el mundo. Aunque no por ello debemos dejar de estudiar como obtienen sus imágenes los demás fotógrafos. Y este libro es una buena oportunidad para ver el trabajo de un fotógrafo desde dentro, porque en él Mellado descubre toda su técnica.
¿Merece pues la pena hacerse con este libro? Para mi fue muy práctico cuando empecé con esto del retoque digital, y aún a día de hoy consulto de vez en cuando mi ejemplar de “Fotografía digital de alta calidad”. Así que la respuesta es un rotundo sí.
Llegado a este punto estoy seguro que alguno dirá: “Pero si ya hay un segundo libro, ¿porqué me habla éste de un libro basado en Photoshop CS2?”. Pues porque tras la lectura del recientemente publicado “Fotografía de Alta calidad”, tengo la sensación que se trata de una reescritura del mismo libro. Es cierto que se ha actualizado el texto para adaptarse a las versiones más recientes de Photoshop, que las imágenes son nuevas y que hay un par de nuevas técnicas, pero en definitiva nada sustancialmente diferente. Es más, si me apuráis, todas las nuevas técnicas que ofrece este libro se pueden descargar de la página web oficial como acciones de Photoshop. Si tienes el primer volumen, para mi no tiene sentido hacerse con el segundo.
Conclusión (por si no quedó claro): por su modo rápido y efectivo de adentrarnos en el mundo de Photoshop y de ofrecernos un método que mejore nuestro flujo de trabajo, el libro de Mellado es tanto un buen punto de partida para el principiante en el mundo del retoque, como un imprescindible en cualquier biblioteca de fotografo.
Referencias:
- Web oficial “Fotografía digital de alta calidad” (primer libro).
- Web oficial de “Fotografía de alta calidad” (segundo libro).
Fotografía en plató (I): primeras impresiones
La semana pasada tuve a mi disposición un plató fotográfico con tres focos Bowens GM500 (dos de ellos con difusores de luz) y un cromalite Q-750 sincronizados a la cámara. Además, dos de los Bowens y el cromalite colgaban de unas barras corredizas ancladas en el techo que permitían llevar la luz a donde más me gustara. Vamos, como podéis ver en la primera imagen de éste post, un lujazo de espacio que fue mío durante dos horas y media.
Pero por supuesto el espacio y los cachivaches no son lo más importante. Porque sin modelo no se hace na’ de na’. Así que, a un toque de teléfono ryze_hanze acudió al plató sin dudarlo para someterse a mis indicaciones. ¡Muchas gracias por la paciencia!
La experiencia: increíble. Ya os digo que ahora que tengo acceso al plató voy a aprovecharlo al máximo. ¿Qué mejor para estudiar las fuentes de luz que poder manejarlas a tu antojo en un plató? Por supuesto, luego hay que aplicar toda esta práctica, y adaptarla, a la fotografía de calle que es lo que me gusta. Me queda mucho que aprender en cuanto a iluminación se refiere, pero puedo asegurar a los que se introducen en esto de la fotografía que éste es un buen paso para mejorar. Claro que acompañarlo de un buen profesional a nuestro lado y de la lectura de un manual del tipo “Iluminación para una fotografía impresionante” de Joe McNally, nos hará crecer mucho más como fotógrafos. Veremos en diez sesiones de plató, cuánto consigo mejorar en esto de la iluminación.
De momento os dejo una escueta selección de cinco imágenes de las más de trescientas fotos que sacamos durante la sesión. La serie se titula: It’s me! SALIENDODEMI®.
Ahora sólo me queda resolver una cuestión para la próxima sesión: ¿Quién será la próxima víctima dispuesta a posar “SALIENDODESI”?
Colección de ventanas
Hoy os traigo uno de esos antes y después que tanto me gustan. Concretamente una colección de ventanas capturadas en Dublín (Irlanda). ¿Qué me llamó la atención de esta imagen? Pues, además de sus lineas rectas y su orden compositivo, que contra más observaba las fachadas más parecían éstas devolver mi mirada multiplicada por 100. Y me sentí pequeñito ante semejante perspectiva ¿Quién nos observará tras los cristales? Éstas reflexiones sobre la realidad, son una de las muchas razones por las que esto de la fotografía engancha.
Pero por supuesto, lo que vi y que os muestro como primera imagen de este post, no es exactamente lo que captó la cámara:
Exposición a ver: Las fotografías de Stanley Kubrick
“Stanley Kubrick Fotógrafo” es, sin lugar a dudas, una exposición de visita obligatoria para cualquier amante de la fotografía. ¿Que qué descubriremos en ella? Pues nada más y nada menos que más de 200 imágenes capturadas por el famoso director entre 1945 y 1950, cuando sólo contaba con 17 años y ya realizaba reportajes para la revista americana “Look”.
La muestra se compone de 9 series fotográficas donde descubriremos cómo el talento narrativo de Kubrick ya destacaba a tan temprana edad. En ellas queda claro su gusto por la belleza femenina, la sexualidad, la libertad, así como por los detalles, insignificancias para otros, y que más tardé serían la “marca de la casa” de sus películas. Aunque, si debo ser sincero, lo que más me ha sorprendido ha sido el hecho que una parte importante de estas series sean posados. Sí, no sé limito a capturar una imagen, sino a construirlas tal y como las tenía en su cabeza. El resultado: una especie de crónica social de la época que más que hablar de sus protagonistas, nos muestran a Kubrick en toda su esencia. Imposible que éstas fotografías no te lleguen, os lo aseguro. Claro que ahora, me resulta más interesante el Kubrick fotógrafo que el director de cine.
En fin, como he dicho ésta es una exposición de visita obligada para cualquier amante de la fotografía. La única pega es que – al menos de momento -, sólo puede visitarse en Venezia, del 28 de agosto al 14 de noviembre de 2010, y en el Istituto Veneto di Scienze Lettere ed Arti. Yo llegué por casualidad, pero os aseguro que la exposición es una excusa perfecta para viajar a la ciudad en la laguna.
Por si os queréis hacer una idea más clara de la muestra, aquí os dejo el tique de entrada a la página oficial de la exposición:
Quiero una buena cámara para hacer fotos…
¡Cuántas veces habré escuchado esta frase! Lo curioso es que en todas las ocasiones, el sujeto que pregunta ya ha mirado cámaras por su cuenta y tiene un par de modelos en mente. Normalmente la siguiente frase hace referencia al presupuesto que tiene para invertir en una nueva cámara. Lo cual es sensato. Sin embargo, lo que no tienen muy claro es qué quieren hacer con la cámara en cuestión.
Hoy en día existen multitud cámaras en el mercado (en cuanto a precio y funciones se refiere), pero lógicamente no todas ofrecen lo mismo. Es más, si me apuráis mucho, de aquí a no demasiado tiempo hasta con un teléfono móvil se podrán hacer fotos más que decentes. Pero estudiar todas los aparatos fotográficos para saber qué cámara elegir es inviable. Sí, hay revistas y webs especializadas que nos pueden orientar, pero ninguna de ellas adivinarán qué queremos exactamente.
Lo primero que siempre pregunto al sujeto en cuestión es: ¿para qué quieres utilizar la cámara?. A lo que siempre, invariablemente, obtengo un “Para hacer fotos”. Después de escuchar esta respuesta hasta la saciedad creo que es el momento de enfocar el asunto con un ángulo distinto. Mmm, ¿qué tal: “¿retocarás las fotos por ordenador?” ? Sí, creo que esa es la pregunta concreta, y lo que marca la diferencia entre los que antiguamente usaban cámaras desechables o las que regalaban con una bolsa de congelados, y los que se pasaban horas (si era necesario) esperando a que un grifo dejara caer una gota de agua para conseguir la imagen exacta que querían. Ojo, no penséis que menosprecio las cámaras de los congelados. En su época yo también tuve una, y cumplió con creces su cometido. Pero mi afán de querer saber más la relegó al cajón donde mi madre guardaba aquellas agujas de tricotar que nunca le vi usar.
Qué quiero decir con todo esto. Pues que no es necesario comprar la mejor cámara que podamos pagar, sino la que mejor se adapte a nuestras necesidades. Para qué quiere alguien que sólo saca la cámara de fotos para los cumpleaños o para salir de fiesta, un aparato con 80.000 gadgets. Si sólo quieres documentar el momento para ponerlo en un marco digital, en un álbum de fotos o para subirlo a facebook, no necesitas nada complicado. En estos casos lo más práctico es una cámara compacta digital de mínimo 6 megapíxeles. En cuanto a marcas y demás… En este caso concreto, y en mi opinión, es indiferente. Las cámaras digitales compactas actuales son muy similares y la diferencia no es exagerada. Que sí, que sí, ya sé que los que tengáis más experiencia en esto de la fotografía os estaréis tirando de los pelos. Pero igualmente, estaréis de acuerdo conmigo en que conceptos como la luminosidad de la óptica, apertura de diafragma, estabilizador de imagen, formato RAW, tipo de enfoque, etc., etc., etc.; no son importantes en estos casos, porque lo que se busca es no perder tiempo al tomar la fotografía. Teniendo en cuenta esta prioridad, cualquier cámara cumple sus necesidades. Eso sí, ¡tampoco os vayáis al LIDL o al ALDI a comprarla! En tiendas como la Fnac tendréis una buena variedad de precios (entre 150 y 200 Eur es un precio más que razonable para estos casos) y podréis elegir colores y tamaños según vuestro gusto.
Os estaréis preguntando, y los que queremos mejorar en esto de la fotografía ¿qué cámara necesitamos? Pues dependerá de vuestro recorrido en el mundo de la fotografía y el tiempo que queráis dedicarle a partir de ahora. Si queréis que la cámara lo haga todo porque no tenéis tiempo para parar a configurarla y no queréis retocar las imágenes, pero queréis algo más de calidad que vuestra antigua cámara: os recomiendo la gama de compactas Canon Powershot o una Panasonic Lumix. Ambas con una gran variedad de ópticas, todas ellas más que luminosas y aceptables (las Panasonic siempre con óptica Leica, por supuesto). En cualquier caso, yo dejo la pregunta en el aire: ¿si queréis que todo sea automático, necesitáis una cámara nueva de mayor calidad?
En cambio, para los que sí quieren invertir tiempo (retocando sus fotos) y un mínimo de dinero (porque ya aviso que no es una afición barata), la opción sólo es una: una cámara réflex. ¿Cuál? Si van a comprar su primera réflex siempre les recomiendo una canon eos 1000D (unos 300 Eurs). En mi opinión es, sin lugar a dudas, por lo asequible de su precio y prestaciones, la mejor réflex para empezar y descubrir si la fotografía es sólo un entretenimiento o una verdadera pasión.
Eso sí, también les recomiendo dos cosas más e indispensables:
- Un filtro neutro (UV) (lente protectora para que no se raye el objetivo)
- Un libro, curso por internet o un amigo con paciencia, que le ponga al corriente de los principios básicos de la fotografía. Que ser autodidacta está bien, pero si realmente queremos mejorar, necesitamos que nos den las herramientas para poder hacerlo. Al menos las técnicas, porque la fotografía, como arte que es, requiere mucha experimentación por nuestra parte.
¿¡Qué ya tenéis cámara pero aún no sabéis ni cómo cogerla!? Pues no dejéis de visitar el blog porque con este post doy por iniciada una serie de entradas sobre conceptos básicos a tener en cuenta para trabajar y disfrutar más de la fotografía.
NOTA1: los modelos y precios aquí mencionados son de 2010.
NOTA2: Todo lo que expongo en este post como en los que le seguirán está basado en mi modesta experiencia en el sector. Así pues, si no estáis de acuerdo con algo de lo que comente, tenéis algo que añadir, o queréis saber más, sólo tenéis que hablar ahora o callar hasta el siguiente post.
Jacques Henri Lartigue, la ligereza del movimiento
Coco. Hendaya, 1934. J.H. Lartigue
© Ministère de la Culture – France / AAJHL
Hace apenas unos días descubrí al extraordinario Jacques Henri Lartigue. Debo reconocer que ya había perdido la esperanza de encontrar a algún fotógrafo que me emocionara como Doisneau o Bresson, pero el señor Lartigue lo ha conseguido. Sí, es un fotógrafo de principios del siglo XX de los que me gustan, pero su trabajo es refrescante y lejano a los artificios. Y si algo me evocan sus imagenes es ligereza. Lo cual no es fácil de encontrar en la fotografía contemporanea, muchas veces moralista, nada positiva y a veces hasta vacía de contenido. Y que conste que también hay entre lo que se produce hoy en día muchas obras que admiro. Pero esa sensación de cambio que Lartigue plasmó en sus imágenes es sublime y refrescante.
Sus fotografías suelen estar cargadas de la ligereza del cambio (no en vano vivió todas las novedades tecnológicas y filosoficas que marcaron el tiempo que ahora vivimos nosotros). Tampoco penséis que es el sentimiento de nostalgia lo que me lleva a valorar sus imágenes. Porque más allá del “cualquier-tiempo-pasado-fue-mejor”, lo interesante es cómo consiguió captar lo etereo del cambio. O mejor dicho (y a pesar de la rima): el sentimiento del movimiento. Es como si sólo él, y no sus modelos, hubiera sido capaz de ver la velocidad a la que arrancaba una nueva época. Pero, sin lugar a dudas, lo que más admiro de sus fotos es que, a diferencia de otros muchos fotógrafos, me da la sensación de que él no era un mero observador de su tiempo, sino que él simplemente tomaba imágenes de su realidad cotidiana.
Supongo que eso explica incluso porqué se dedicaba, casi de manera obsesiva, a tomar notas en sus libretas de todo cuanto hacía en su día a día. Sus fotografías no son solo testimonio de una época, reportajes de viaje o documentos periodísticos. Sino un retrato de su propia vida, tal y como él la veía. Al menos esa es la impresión que yo me he tenido al respecto.
A los que ahora os encontréis por Barcelona os recomiendo la exposición que CaixaForum organiza hasta el 3 de Octubre de 2010. Las más de 230 imágenes que exhiben realmente merecen la pena. Al resto, os dejo ésta página donde os podréis hacer una pequeña idea de lo que os hablo, y el enlace a la fundación Lartigue.
Click: un fotógrafo aprendiz
Para tomar una fotografia no es necesario un equipo caro o conocimiento alguno. Ni siquiera es necesario mirar por el visor de la cámara o una cámara propiamente dicha (no olvidéis que con una caja de zapatos y algo de papel fotosensible ya podemos tomar una fotografía). Sólo es cuestión de hacer click y listo. Pero apretar el botón de disparo, disparador, liberar el obturador o cualquier otro nombre u expresión que queramos darle al chisme o acción que desencadena la toma de una fotografía, el simple hecho de hacerlo no es garantía de obtener una “buena foto”. Para conseguir la ansiada imagen parece que tenemos que entrar un poco más en le mundo de la fotografía.
Y es que sin técnica creo que conseguir una “buena foto” no sería más que azar. Aunque tranquilos, libros de modos de trabajo y técnicas los encontramos para parar un tren. Los que hayáis nadado entre ellos me entenderéis bien. Sin embargo, no he encontrado un sólo libro que dé un paso más allá y explique cómo conseguir buenas imágenes y no sólo técnicas de trabajo. Y ya ni hablar de que expliquen el mundo de la foto con la suficiente simplicidad como para que nosotros: “¡Oh simples mortales!”, seamos capaces de comprender algo de este arte sin que nos hablen en chino.
Todo ello me lleva a pensar:
- Que el mundo de la fotografía guarda un secreto oculto que nadie ha querido revelarnos.
- Que sólo la experimentación me llevará a entender cómo conseguir una “buena foto”.
Aunque, y no puedo evitarlo, siempre tengo la misma pregunta en mente: ¿Tan difícil es hacer una “buena foto” que nadie ha conseguido explicar llanamente cómo se consigue? Yo, por si acaso, seguiré investigando al respecto.
Postales de Una casa en las Afueras
¡Por fin llegan!
Enviar un email es práctico pero también muy frío e impersonal. En cambio una postal escrita a mano demuestra, a quien la recibe, que realmente nos hemos tomado el tiempo de pensar en ellos. Hemos elegido no sólo las palabras (porque el espacio es limitado), sino también una imagen para ellos. Y claro, todo se tiene que decir, encontrar postales que expresen y transmitan es bastante difícil.
Quizás sea un poco pretencioso, pero entre las novedades que prometí iba a introducir en “Una casa en las Afueras”, he decidido incluir la posibilidad de comprar postales de las mejores imágenes que se publican en el blog.
Así que si queréis decirles a vuestros amigos y familiares que son importantes para vosotros, no lo penséis más y entrad en la sección postales para haceros con una de las imágenes de “Una casa en las Afueras”. El acabado os aseguro que es muy bueno y la galería de postales, aún un poco escueta, irá creciendo poco a poco.
¡Ah! y si hay alguna imagen de la web os gusta especialmente no dudéis en enviarme un email para ponerla en la sección postales.
Retocar con tableta gráfica: Wacom Intuos4
Componer una buena fotografía en la toma es lo más importante para conseguir capturar las imágenes que queremos, pero no es lo único. Tras la toma, toca hacer las mejoras de rigor con nuestros programas de retoque, para que la imagen no sólo se parezca, sino que muestre lo que nosotros vimos al apretar el obturador (disparador de la cámara). De lo contrario lo único que tendremos será un negativo, digital sí, pero no más que un negativo.
Aquellos como yo que hagan sus pinitos con Photoshop, Gimp o incluso Lightroom o Picasa, se habrán dado cuenta que cuando la imagen requiere retoques muy precisos el ratón se queda corto y no nos permite una fluidez de trabajo adecuada. A todos vosotros os recomiendo que os hagáis con una tableta gráfica, una especie de papel y bolígrafo electrónico que permite retocar las imágenes (incluso sustituir al ratón en todas las funciones comunes) como si dibujáramos sobre ellas.
Hasta hace poco en casa tenía una tableta gráfica barata Trust con la que no había conseguido los resultados que esperaba obtener cuando compré este periférico. Sin embargo, la reciente actualización del sistema operativo de Apple a Snow Leopard me había dejado sin driver de control de mi chusqui-tableta. Así que, sin dejar que la experiencia previa me desanimara, me hice con una Wacom Intuos4. Y el cambio ha sido muy gratificante.
Ahora puedo decir que en el mundo de las tabletas gráficas está Wacom y el resto. El comportamiento ante la presión y la precisión de esta tableta es considerablemente superior a la anterior. De algo debían servir sus 2048 niveles de presión. Pero lo que más me ha sorprendido han sido los botones que incorpora este modelo. Todos ellos configurables para agilizar el flujo de trabajo con las teclas y tareas más utilizadas. Control, Altura, Mover, ampliación y reducción de imagen, retoque de precisión, cambio de capa y hasta rotar lienzo en Photoshop CS4. Sin contar con las puntas con diferentes texturas para aquellos que quieran dibujar con ella. Un ahorro de tiempo considerable.
Sin duda aún me queda mucho para explotarla bien, pero ya os digo desde ahora que la compra ha merecido la pena. Aunque eso sí, su precio es un poco elevado y para el retoque fotográfico amateur con modelos inferiores como la Bamboo hay más que suficiente (eso sí, y aunque ahora el modelo además es táctil, no trae estos magníficos botones de atajo).
En cuanto al tamaño necesario de la tableta para retoque fotográfico, teniendo en cuenta que la superficie de trabajo abarca toda la pantalla, en mi opinión un A5 cubre de manera suficiente las necesidades para retoque fotográfico. A no ser que te dediques a la ilustración, adquirir una tableta de tamaño superior, en mi opinión, sólo es cuestión de gusto y presupuesto, no de necesidad real.
Conclusión, si os gusta la fotografía valorad una inversión en una tableta gráfica. Quizás os cueste haceros al principio con su funcionamiento pero a la larga merece la pena.
Temas a Fotografiar (II): fachadas
Siguiendo con los posts sobre temas a fotografiar, hoy le toca el turno a las fachadas.
La fotografía de arquitectura suele dar mucho juego, y aunque hay quienes creen que no se trata más que de tomar simples imágenes de construcciones, resulta bastante compleja a pesar que los edificios, al contrario de las personas, no se mueven.
Al fotografiar fachadas es importante encontrar un equilibrio de formas y controlar bien el ángulo en el que la luz incide en ella, ya que una buena combinación de estos elementos nos permitirá obtener imágenes muy diversas de una misma fachada. Sé que no os descubro nada diciendo que controlar la luz es muy importante. De hecho la fotografía no existiría sin luz. Pero el caso es que al fotografiar edificios, y aunque podemos movernos entorno a él, el único modo de cambiar su textura (a no ser que seamos Christo y Jeanne Claude) es crear textura en su fisonomía mediante la iluminación.
Otra opción a la hora de fotografiar fachadas es incluir elementos del entorno que nos permitan componer una lectura diferente del edificio objeto de retrato.
Yo por mi parte os dejo algunas de las fachadas que he capturado en el paseo de hoy:
Nuevo “look” de la web
Supongo que quienes leáis esta web en un navegador y no a través de facebook o de un lector de rss, ya os habréis dado cuenta que he actualizado el fondo de la web. Para los que no lo hagáis y para quienes se pregunten cómo es la imagen completa, os la subo a continuación:
Steps
He decidido que por el momento esta sea la imagen de fondo porque me parece fresca, urbana, somnolienta y melancólica. Si tenéis otras opiniones al respecto soys libres de decir cuanto queráis.
En cualquier caso éste es el siguiente paso hacia una reestructuración de la página. Lo próximo será crear un menú de secciones para mejorar el acceso a los contenidos y un par de sorpresas más que estoy preparando.
Fiestas de barrio a lo Wim Wenders
Las fiestas de barrio son diferentes según el país en el que nos encontremos. Aquí y aquí ya os enseñé las particularidades de las fiestas del barrio de Gracia de Barcelona. Pero por supuesto no todas las fiestas españolas son tan espectaculares. Es más, el resto suelen ser muy parecidas: grupos de música desconocidos, atracciones (o “cunitas” como dicen por Andalucía), puestos de patatas fritas y algodón de azúcar, y tómbolas y puestecitos de venta de collares y demás enseres. Eso sí, todas ellas destilan una decadencia luminosa que no creo que tarde en morir o en reconvertirse en algún tipo de puestos con pantallas de videojuegos. ¿Acaso no habéis tenido la sensación de viajar al pasado cuando habéis ido a una fiesta de pueblo?
El caso es que el ambiente de éstas fiestas siempre me ha recordado a las películas de Wim Wenders, con esa textura lenta y verdosa que destilan sus historias. Os dejo unas cuantas instantáneas de las fiestas del barrio de Horta-Guinardó de Barcelona para ilustrar lo que os digo:
100 Fotógrafos Españoles
“100 Fotógrafos Españoles (100 Spanish Photographers)” editado por Exit Publicaciones es el mejor (por no decir el único) catálogo de fotógrafos ibéricos. En él se reunen desde mi muy estimado José Mª Mellado (que merece un premio a la divulgación de la didáctica de la fotografía) a la España tradicional de Cristobal Hara. Vamos, que este libro nos pasea por una España ficticia e interpretada por el ojo de quienes nacieron en ella. Pero “100 fotógrafos…” no sólo habla de España, porque aunque sí es cierto que los autores que ilustran sus páginas son españoles, podemos encontrar en él imágenes de todo el mundo (físico y psicológico) en el que éstos se mueven.
Sensualidad, abstracción, foto-periodismo, fotocomposición, soledad, analógico, digital,… En sus páginas se mezclan técnicas y conceptos muy diversos. Y, voy a ser sincero, algunas de las imágenes no son espectaculares (por no llamarlas banales), pero otras muestran una sensibilidad y un buen saber hacer excepcionales. Se puede decir que uno aprende viendo lo que se hace en casa.
En definitiva, éste libro es un homenaje a los que se esconden tras esas imágenes que ilustran nuestro tiempo, y un recorrido por una profesión que en España parece que únicamente está formada por obras anónimos, y que deja de lado a sus autores.
Piel de Foto: ¿el Fotoperiodismo ha muerto?
Resulta que un día, paseando por Barcelona, se encuentra uno con una nueva publicación gratuita. Una de tantas, tal vez. Pero la imagen de la portada llama mi atención y decido rescatarla del expositor donde descansa junto a unos cuantos flyers que promocionan no quiero saber qué. Piel de Foto. <<Es un bonito nombre>>, pienso mientras la guardo en la bolsa para hojearla más tarde. Sin saber aún, por supuesto, qué contienen sus páginas.
Así, y en el camino de vuelta a casa después de un extenuante paseo, abro la revista en el metro y ¿qué me encuentro? Pues que Piel de foto resulta ser una revista de fotografía documental. ¡Sorpresa! <<¿Cuánto tiempo lleva esto en la calle y yo sin saberlo?>>. <<¡Ah!, es el primer número>>. Ojeo su contenido. Veintiséis escasas páginas donde se mezcla desde un reportaje sobre discapacitados practicando deportes de riesgo hasta uno sobre el alzheimer. Todo ello con una calidad de impresión más que aceptable y una maquetación que parece una mezcla de un libro de la Taschen y de un suplemento del Periódico.
Miro y remiro las páginas, y me doy cuenta que al margen de la calidad de las imágenes (alguna de ellas nada desdeñable), su interior esconde una promesa muy clara: demostrar que el fotoperiodismo seguirá vivo mientras queden cosas que contar y que, además, en él trabajan verdaderas promesas de la fotografía. Interesante.
Puede que este proyecto sólo haya visto la luz coincidiendo con la tercera edición del festival de fotografía de Barcelona Traffic y con el VISA pour l’image francés, pero sinceramente espero que viva tras él y que podamos verlo crecer. Eso sí, también espero que los reportajes vayan más allá de la prostitución o el Alzheimer. Porqué sí, aunque los de Callejeros en España no lo crean, hay un mundo de historias más allá de esos temas.
En conclusión, si estáis hartos de revistas gratuitas que no son más que una guía publicitaria, os gusta la fotografía y comprender mejor el mundo que nos rodea; puede resultar interesante hacerse con un ejemplar impreso de esta revista que encontraréis por Barcelona o con uno digital en su página web (lástima que el poco texto de la página sólo esté de momento en catalán… aunque la revista esté en inglés y castellano).
Lugar Indefinido
Foto tomada en ese lugar en el que la vida se ríe de la muerte y la muerte se come la vida.
Tutorial: Cómo crear fotos Lomo con Photoshop
Con el tutorial de hoy podréis convertir vuestras fotos tomadas con cualquier cámara en una fotografía capturada con una de las populares cámaras Lomo con óptica de plástico. El efecto os puede ayudar a destacar partes de una fotografía o a darle un aire diferente a esa imágen que tantos quebraderos de cabeza os da.
Primero os muestro el original y el resultado de mi imagen tras pasar por los pasos expuestos en este tutorial. Así podréis comparar mejor el efecto final. Por cierto, los valores que utilizo en el tutorial son orientativos. Os recomiendo que pongáis estos valores y después experimentéis con ellos hasta obtener el resultado que buscáis.
Ahora pongámonos manos a la obra:
1. Ajustar Brillo – contraste de la imagen
Capa -> Nueva capa de Ajuste -> Brillo contraste
2. Ajustamos el tono y la saturación
Capa -> Nueva capa de Ajuste -> Tono y saturación
3. Hacemos una selección rectangular con la “Herramienta marco rectangular” en el centro de la imagen, calando las esquinas a 150 px. Acto seguido invertimos la selección para que quede seleccionado la parte externa de la forma que hemos creado y no el interior (Menú: Selección -> Invertir)
4. Ahora vamos a ajustar los niveles de la imagen con una nueva capa de Ajuste.
Capas -> Nueva capa de ajuste -> Niveles
5. Y ahora la curva de color
Capas -> Nueva capa de ajuste -> Curvas
6. Creamos una nueva capa que rellenaremos de negro. Como lo que queremos hacer con este paso es homogeneizar el color de la imagen. Ponemos la capa en modo de fusión “tono” y reducimos la opacidad hasta el punto que más nos guste. Normalmente las imágenes te piden que se haga por debajo del 50%.
Estos serían los retoques digamos standard. Yo, por ejemplo, en la imagen que ilustra esta entrada, le he añadido, además de la capa 1 (negra) con opacidad 33, una capa de amarillo pastel con opacidad 3 para cambiar ligeramente la tonalidad de la imagen; y le he cambiado la forma de la capa de niveles rectangular.
VISA POUR L’IMAGE 2009: International Festival of Photojournalism
Del 29 de Agosto al 13 de Septiembre, y como cada año, el Festival Internacional de Fotoperiodismo más importante del mundo abre sus puertas en la ciudad francesa de Perpignan. ¿Quién iba a decir que cuando se empezó con este festival llegaría a su vigésimo primera edición con tan buena salud? Veintiún años son muchos y a pesar que año tras año los hay quienes se empeñan en decir que el fotoperiodismo ha muerto, VISA POUR L’IMAGE sigue demostrando que en el mundo pasan infinidad de cosas que merecen ser contadas y que, por suerte, existen buenos fotógrafos para hacerlo.
Abbas, Françoise Demulder, Care, Dominic Nahr y Jérôme Sessini son sólo algunos de los fotógrafos que exponen. Y por si eso no fuera suficiente, las exposiciones y eventos se reparten por toda la ciudad. Podréis acceder al mercado, al claustro de una iglesia o hasta al camposanto para disfrutar de una buena sesión de fotografía. Realmente inmejorable.
En resumidas cuentas, recomiendo a aquellos que gusten de la buena fotografía que se acerquen aunque sea únicamente un día a Perpignan para ver las exposiciones y proyecciones que VISA ofrece. Todo normalmente gratuito o a un precio ínfimo, y en lugares de lo más insólito.
Si queréis saber más sobre las exposiciones, horarios y cómo llegar podéis visitar la web oficial del festival VISA POUR L’IMAGE.
Temas a Fotografiar (I): los detalles
Con este post voy a iniciar una serie de entradas en las que voy a exponer algunos temas que son susceptibles de ser fotografiados. Porque cuando uno tiene una cámara y ya ha agotado el tiempo de fotografiar absolutamente todo, debe encontrar un motivo o tema para continuar haciendo fotos. De lo contrario nuestra cámara fotográfica acabará en el cajón junto con los libros de inglés, las pesas, los parches de nicotica y todo aquello que nos hemos propuesto hacer alguna vez, pero que nunca conseguimos acabar.
Elegir el que será el objeto de nuestras fotografías no es tarea fácil, pues implica tener que elegir una parcela concreta de la realidad y descartar el resto. Con esto no es que diga que cuando salgamos a hacer, por ejemplo, fotos de insectos, no podamos fotografiar a unos niños jugando (y no, los niños no se consideran insectos ¬_¬U). Lo que sucede es que si salimos a hacer fotos de insectos veremos más insectos que niños porque estaremos concentrados en encontrar insectos y no niños. Pero no os engañéis, lejos de ser esto un problema, focalizar de este modo enriquece las capturas permitiéndonos obtener más y mejores imágenes de lo que buscamos, porque todos nuestros sentidos estarán puestos en encontrar esa imagen.
Una vez dicho esto, y para inaugurar esta serie de posts, he elegido como primer tema fotográfico, “los detalles”. Por algunas de mis imágenes ya os habréis dado cuenta lo mucho que me gusta este tema. Los detalles son una escusa perfecta para poder pasear por el mismo sitio mil veces, porque hay detalles pequeños (una palabra en una pared, un pendiente roto en el suelo, unos zapatos olvidados), otros enormes (una escultura, un banco, una fachada…) y muchos efímeros (el viento, el agua, un movimiento rápido…) que nos pasan inadvertidos a pesar de estar muy cerca nuestro. Los detalles son, en definitiva, lo que la gente ordinaria pasa por alto pero que esconden una belleza al alcance de cualquiera.
Os sugiero que paseéis por alguna calle por la que paséis a diario y que le prestéis la suficiente atención durante un rato como para descubrir estos detalles. Estoy seguro que os sorprenderá lo que vais a encontrar.
Yo os dejo un par de los detalles que he recogido en algunos de mis tours:
Adaptador Fisheye (ojo de pez) de Lomo
Tomar una fotografía está limitado, entre otros muchos factores, por el ángulo de visión de nuestro objetivo. ¿Cuántas veces has hecho un par de fotos de una situación para después unirlas en Photoshop? ¿Y cuántas, en el mejor de los casos, te has dado cuenta que pierdes la frescura o que las imágenes ni si quiera encajan entre ellas? Una solución, tal vez extrema: Un ojo de pez (fisheye). Ya sea un objetivo o un adaptador.
Harto de no poder meter todo lo que quería en las imágenes, me hice con un adaptador fisheye para reflex de Lomo. No he tenido mucho tiempo para experimentar con él, pero puedo decir que este aparato abre un mundo nuevo de posibilidades fotográficas.
La ventaja del adaptador fisheye de lomo es que puede ponerse en el objetivo de cualquier reflex con uno de los aros adaptadores con los que viene. Enroscar y listo: imágenes de 120 mm de diámetro. Sí, se pueden encontrar adaptadores de más diámetro pero no con la luminosidad del de Lomo y a su precio.Inconvenientes: que debe estar completamente limpio y que el parasol en el que podemos enroscar un filtro polarizante para evitar ralladuras tiene un pequeño juego que hace que el filtro no quede totalmente fijo.
Conforme lo vaya utilizando ya os indicaré cuánto merece o no la pena. De momento os dejo un par de imágenes para que juzguéis vosotros mismos:
