Esta es  ya mi octava participación en los retos de la familia fotera y aunque al final no he podido preparar la foto de mi película preferida, he optado por una que en su momento también me cautivó. La encontré de improviso, en uno de esos largos paseos que tanto disfruto. Callejeando cámara en mano. Sé que tal vez no sea mi mejor foto, pero le tengo especial cariño a la composición en tres planos con soga incluida. Definen bastante bien el ambiente luminoso y a la vez oscuro de la película.

Supongo que sabréis de qué film se trata, pero por si acaso, y como para mi el cine no puede separarse de la música, os dejo también uno de los mejores temas del metraje.

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Creo que lo he puesto muy fácil ¿Sabéis ya de qué película se trata? Y lo que es más ¿conocéis la canción que se esconde tras todos esos números?

Ah! No olvidéis pasar por aquí para ver las propuestas del resto de componentes de la familia fotera.

Una hoja de contactos es una copia en positivo de todas las imágenes contenidas en un carrete fotográfico. Vamos, una especie de resumen en una hoja de las imágenes de un carrete. Os podéis imaginar que éste es sin duda el modo más fácil de poder estudiar en una pasada todas las fotos que hayamos tomado. Que sí… que ya sé que en los tiempos que corren no se usan muchos carretes. Y, sí, para los que preguntáis, está opción está disponible en Lightroom.

Aunque en este caso “Contactos” es el nombre con el que el canal Arte y la distribuidora )intermedio( han bautizado la pequeña joya que me han traído los reyes. Ni más ni menos que tres DVD’s con 33 docu-entrevistas donde algunos de los mejores fotógrafos narran cómo entienden ellos su oficio y porqué fotografían lo que fotografían.

El proyecto, basado en una idea de William Klein, nos muestra el itinerario artístico de fotógrafos de la talla de Doisneau, Cartier-Bresson, Araki, Hiroshi Sugimoto, Martin Parr y Rousse. Y pos supuesto, desde la mejor perspectiva: a través de imágenes seleccionadas y comentadas por los propios autores.

LUCES Y SOMBRAS:

Lo mejor:

- Que son los propios autores quienes narran los documentales.

- Que utilizan una selección de sus mejores imágenes para explicarnos su historia.

- Que consiguen que penetremos en el universo secreto del trabajo de creación, en el corazón mismo del proceso de elaboración de una obra fotográfica.

Lo peor:

- Que la calidad de imagen de algunos documentales (los más antiguos) no está a la altura de los tiempos que corren.

- Es un poco engorroso cambiar de DVD si vamos seleccionando los fotógrafos que más nos interesan. Una edición de un único Bluray hubiera solucionado esto.

- Las fotos que documentan las entrevistas son tan buenas que se echa de menos un pequeño libro que poder toquetear.

CONCLUSIÓN:

De momento sólo he visionado unos 10 documentales, pero no he podido dejar de tomar notas. Es muy enriquecedor descubrir cómo dejan al descubierto el proceso de elaboración de sus fotografías y cómo ha transformado este arte sus vidas. Sin duda, una gran fuente de inspiración y un modo de obtener nuevas técnicas y temas con las que mejorar nuestro proceso de trabajo y nuestra imaginería.

Mi gran descubrimiento: La mirada saturada, fresca y libre de peso con la que Martin Parr captura a la clase media inglesa. Os dejo con una pequeña entrevista que la Tate Modern Gallery de Londres preparó para presentar una de sus exposiciones. Aunque está en inglés nos muestran una muy buena selección de su trabajo.

El club en cuestión nació en Sudáfrica durante el apartheid, y desarrolló su actividad entre 1990 y 1994. Fecha ésta última en la que Nelson Mandela fue elegido presidente en las primeras elecciones democráticas por sufragio universal del país, se instauró una  democracia multirracial en Sudáfrica, y se dio por terminado el apartheid.

Las fotografías que se tomaron en esta zona de conflicto fueron más que cruentas y explícitas, pero con un valor periodístico inmenso. No negaré que muchas de las imágenes que se muestran en la película son de una extrema violencia y poco aptas para estómagos sensibles. A pesar de eso seguramente hasta conseguiréis identificar alguna de ellas (como por ejemplo “La niña y el buitre”). Porque aunque son duras, muchas de las fotografías que se muestran son sin duda iconos de nuestro tiempo. Por algo dos de los miembros del Club (Greg Marinovich y Kevin Carter concretamente) obtuvieron el premio Pulitzer por su trabajo en Sud África .

Volviendo al film, cabe decir que si bien su ritmo es muy bueno, la película peca de ser algo hollywoodiense, pues no han escatimado en sexo, drogas y en utilizar como linea argumental secundaria una historia de amor ñoña. A pesar de ello, resulta más que interesante ver cómo han retratado el mundo del fotoperiodista, la política, el racismo y los conflictos éticos a los que se enfrentan quienes lo retratan. ¿Intervenir en lo que se fotografía o no? Esa es la pregunta, my friends.

En España “The Bang Bang Club” aún no se ha estrenado ni tiene distribuidora. Os dejo con su trailer para que os hagáis una idea de cómo es la película, y decidáis si merece la pena verla (aunque sea en inglés). Yo, tengo un revisionado pendiente.

Ya iba tocando un post sobre Henri Cartier-Bresson, el gran genio de la fotografía humanista, y el culpable de que empezara a ver esto de la fotografía como algo más que un modo de conservar las recuerdos de las vacaciones. Aprovecho para ello una de esas joyas poco habituales en DVD que en su día distribuyó en España Avalon Productions.

Cartier Bresson es una leyenda viviente. No hay ningún otro fotógrafo tan citado para hablar de “fijar el momento decisivo”. O lo que es lo mismo, de la “técnica” fotográfica que consiste en esperar a que todos los elementos se alineen para formar una imagen mágica. Por algo se podría decir que fue uno de los primeros en definir dicho concepto.

Empezó como fotógrafo en 1931, después de participar en una expedición a México. Antes había estudiado filosofía y pintura. Y tras trabajar para los grandes periódicos internacionales y ser tomado como prisionero de guerra, acabó fundando junto a Robert Capa, David Seymour y George Rodger la primera agencia cooperativa fotográfica del mundo (“MAGNUM“). Posteriormente viajó por todo el mundo en busca de esos instantes robados al tiempo. Os recomiendo las colecciones de Europa (Paris concretamente) y Asia, son mis preferidas.

Lo que no todo el mundo sabe es que también trabajó en el mundo del cine y que incluso realizó varios documentales sobre la España republicana. Ese es el contenido del DVD 1, los siguientes 5 documentales:

- Victoria de la Vida

- España vivirá

- El retorno

- Impresiones de California

- Southern Exposures

Pero lo que es realmente interesante, al menos para mi, es el DVD 2 donde están las entrevistas y reportajes más importantes que le realizaron. Una verdadera joya documental con la que es fácil aprender del maestro y de su carácter. En él se nos muestra su estudio, su visión de lo que es la fotografía, cómo seleccionaba sus contactos y un largo etcétera. Supongo que es evidente lo mucho que he aprendido de sus imágenes, y cuánto le admiro. Y no es para menos. A través de estos reportajes aquellos de entre vosotros que no lo conozcáis (difícil), abriréis una puerta a un modo de hacer muy diferente al actual. Sí, el dominaba la técnica, pero ese no era su objetivo, sino otro muy diferente: traspasar la frontera de lo mundano y capturar la inmortalidad de la vida de ese segundo exacto que se generaba frente a su Leica. Lamentablemente en youtube no he encontrado la versión en castellano de ninguno de estos reportajes (el de “CONTACTOS” es un caramelo), sólo una subtitulada en inglés no incluida en el DVD. En cualquier caso, disfrutadlo que no es para menos:

No sé exactamente cómo acabé allí fotografiando a todo bicho viviente. Bueno… por decirlo de alguna manera… Lo único que sé es que las imágenes que siguen no son aptas para estómagos delicados:

Esta chica iba aderezada con mermelada de ciruela

Las fiestas de barrio son diferentes según el país en el que nos encontremos. Aquí y aquí ya os enseñé las particularidades de las fiestas del barrio de Gracia de Barcelona. Pero por supuesto no todas las fiestas españolas son tan espectaculares. Es más, el resto suelen ser muy parecidas: grupos de música desconocidos, atracciones (o “cunitas” como dicen por Andalucía), puestos de patatas fritas y algodón de azúcar, y tómbolas y puestecitos de venta de collares y demás enseres. Eso sí, todas ellas destilan una decadencia luminosa que no creo que tarde en morir o en reconvertirse en algún tipo de puestos con pantallas de videojuegos. ¿Acaso no habéis tenido la sensación de viajar al pasado cuando habéis ido a una fiesta de pueblo?

El caso es que el ambiente de éstas fiestas siempre me ha recordado a las películas de Wim Wenders, con esa textura lenta y verdosa que destilan sus historias. Os dejo unas cuantas instantáneas de las fiestas del barrio de Horta-Guinardó de Barcelona para ilustrar lo que os digo:

Vardà siempre destacó por su mirada femenina (sin excesivo feminismo) capaz de explicar historias simples pero llenas de vida, y por la ruptura con las estructuras narrativas prefijadas en el cine. Vamos, que desde su primera película se la encuadró en la Nouvelle Vague del cine francés.

Pero dejando de lado la biografía de la siempre sorprendente Sra. Vardà, me voy a centrar en la soberbia fotografía de Jean Rabier. En “Cleo de 5 à 7″ Rabier elige planos arriesgados, juega con los reflejos y resalta los detalles acompañando a la historia de forma casual pero omnipresente. Diría incluso que aunque el tiempo de la película es lineal sin elipses y en todo momento se acompaña a la protagonista durante la duración del metraje, Rabier consigue acortar y estirar el tiempo a su antojo. La fotografía es tan importante y omnipresente en esta película que a veces parece que más que una película “Cleo de 5 à 7″ sea fotografía en movimiento. En definitiva: sin Rabier esta película no existiría. Supongo que por algo fue director de fotografía de muchas de las películas de Claude Chabrol.

Así pues recomiendo este film a aquellos que gusten de la fotografía de los pioneros de MAGNUM y a los que estén cansados del cine de acción. El argumento no es soberbio pero no por ello deja de ser interesante (tiempo, belleza burguesa, muerte y mucha Francia). Como dije, lo extraordinario es la fotografía, el resto, en este caso, es attrezzo.

Para que os hagáis una idea de la fotografía y del tono general en la película, os dejo (por gentileza de youtube) el trailer y un pedazo de la película especialmente ligero. La escena en la sombrerería os dejo descubrirla a vosotros.

Yo, lejos de sus estilos, me imagino a Antonia, que cocina siempre galletas de canela tomando una copa de vino tinto, que conoce a todos los chiquillos de su calle. Antonia, que nunca se casó, que se hizo niña, mayor y vieja en su casa, en su calle, de donde nunca salió. Antonia, una mujer moderna que desde que descubrió internet se compra los vestidos negros que exige su edad en una tiendecita cargada de macetas, en Torino. Tal vez no sea una mujer de mundo, pero siempre tuvo mucho gusto.

A quienes le preguntan porqué nunca salió de su casa, ella siempre responde atusándose el cabello: <<Mi mundo es enorme. No necesito más espacio>>.

Encontrar escenarios es una de mis aficiones. Seguramente muchos de vosotros pensaréis: “¡pues menudo entretenimiento!”. Y seguramente tengáis razón. Hacer puenting, cantar o incluso hacer ganchillo sean para vosotros más emocionantes que buscar escenarios. Pero lo cierto es que buscar escenarios es sólo una buena escusa para salir a pasear por el mundo. Y pasear me ayuda a escribir, a dibujar e inventar el teatro donde van a actuar mis personajes.

Además, uno nunca sabe donde va a encontrar el escenario donde sentir la vida.